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Pan pastel

En Diseño Básico.com nos gustaría presentaros un material, que se aplica de forma similar al maquillaje, y que permite una gran versatilidad en el uso de tonos degradados: el pan pastel. En el vídeo siguiente podéis ver un excelentes tutorial de la ilustradora María Bockei.

Los materiales que usa son los siguientes:

Si os gusta esta ilustradora, podéis ver en su canal de Youtube muchos vídeos tan interesantes como éste, donde emplea diferentes técnicas, como rotuladores, lápices de pastel o tinta.

 

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El proceso de trabajo del Greco

En Diseño Básico.com vamos a hablar hoy del Greco. Concretamente, veremos algunos ejemplos que ilustran su método de trabajo. En primer lugar, podemos observar algunos bocetos, junto a sus obras definitivas: San Juan el Bautista y San Juan Evangelista.

En segundo lugar, os proponemos que probéis una herramienta que os puede ser muy útil cuando abordéis el diseño de personajes, y que el Greco utilizó: el uso de modelos tridimensionales, como referentes. En las siguientes imágenes podéis ver algunos de los modelos del Greco que todavía se conservan, y observar su aplicación en algunas de sus obras.

Y en tercer lugar, compararemos dos de sus ángeles: a la izquierda, una obra sin acabar: sólo con la capa de grisalla. A la derecha podemos observar una obra similar, pero finalizada. Con sucesivas capas semitransparentes de color.

Por último, hemos reproducido este mismo proceso con otra de sus obras inacabadas: San Bartolomé. Partiendo de la grisalla (izquierda) reprodujimos el método del Greco, mediante retoque digital.

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Técnica de las tres tizas

Uno de los procedimientos que más posibilidades ofrece con pocos medios es la técnica de las tres tizas. La combinación de colores más habitual es la de almagra (o sanguina), negro y blanco. De hecho ya se utilizaba esta combinación cromática en las pinturas rupestres. Sin embargo, ofrece una amplia gama de posibilidades, dependiendo del color del papel o cartón que se use como soporte. La herramienta más habitual es la creta (en lápiz o en barra), aunque también se puede utilizar carboncillo, pastel, e incluso lápiz de color.

Si te interesa profundizar en el conocimiento de este procedimiento, Diseño Básico.com te propone que visites la página de Método Giotto. En ella encontrarás información muy interesante de carácter técnico. Además, Método Giotto tiene publicado este interesante vídeo sobre el tema.

Pintura de las Cuevas de Altamira.

 

Dibujo de Miguel Ángel.

 

Dibujo de Elizabeth Floyd.

 

 

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Transferencia de pintura acrílica

Si observas esta imagen, probablemente pensarás que se ha salpicado pintura de color rojo sobre un fondo texturado. Pero en realidad, las salpicaduras de color se ubicaron exactamente donde nos interesaba. ¿Quieres saber cómo hacerlo? En Diseño Básico.com te vamos a explicar cómo.

Los materiales que necesitarás son:

  • Tablero de DM o de contrachapado.
  • Pintura acrílica.
  • Látex.
  • Rodillo.
  • Brocha.
  • Pincel.
  • Plástico resistente (lo puedes comprar por metros en una ferretería)

1. Prepara un tablero con una imprimación con color plano, o con una determinada textura. En esta caso elegimos aplicar la técnica del grattage. Sobre un tablero de DM aplicamos capas de pintura acrílica de diferentes colores, que lijamos una y otra vez, con una lija de taco de grano grueso. Los surcos que se observan son las marcas de la brocha con la que se aplicaron las sucesivas capas de pintura.

2. Salpica con un pincel pintura acrílica de un color que contraste con la imprimación sobre un trozo de  plástico. Importante: la pintura se debe mezclar con un poco de agua. La necesaria para que gotee, sin que pierda opacidad. Puedes sustituir la salpicadura por un brochazo o cualquier otra forma.

 

3. Una vez que seque esta salpicadura de pintura roja, prueba diferentes opciones para situarla sobre el tablero. En la imagen puedes ver cómo probamos tres opciones diferentes, y las fotografiamos para que nos sirviesen luego de orientación.

4. Cuando ya te hayas decidido, aplica látex en la capa donde está la pintura, y también en el tablero (no te preocupes si ves el látex de color blanco, porque al secar se vuelve transparente).

4. Nada más aplicar el látex, es decir cuando todavía está húmedo, sitúa la salpicadura, el brochazo o la forma que elijas, en el lugar que hayas elegido sobre el tablero, de forma que coincidan las capas donde has aplicado el látex.

5. Es el momento de dejarlo secar. Como el plástico no es absorbente, tardará bastante, especialmente en invierno. Nosotros solemos dejarlo toda una noche para asegurarnos.

6. Una vez seco, sólo tienes que tirar con cuidado como te mostramos en la imagen. De esta forma, la pintura quedará adherida al tablero. Y podrás reutilizar el plástico en próximas experimentaciones.

Si lo vas a fotografiar a escanear, es conveniente que apliques medio acrílico o barniz mate a toda la superficie. De esta forma evitarás problemas de reflejos indeseados.

A continuación otra aplicación de esta misma técnica. En este caso, no se aplicó una salpicadura, sino una mácula de color turquesa sobre un tablero de contrachapado imprimado con gesso aplicado con rodillo. Para aplicar la mácula dibujamos un círculo sobre un tablero y lo rellenamos con pintura acrílica diluida con un poco de agua. Para aplicar la pintura utilizamos la brocha que veis en la imagen. Acto seguido situamos el plástico sobre el círculo, cuando la pintura estaba totalmente húmeda, y sin dejar que secase, retiramos el plástico.

En el vídeo puedes ver el momento en que retiramos el plástico.

En la siguiente imagen puedes ver el resultado final.

 

 

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Amelia Navarro

Me gustaría presentaros la obra de la ilustradora noveldense Amelia Navarro. Amelia estudió el Ciclo Superior de Ilustración en las  Escuelas de Arte y Superiores de Diseño de Alcoy y Alicante, donde tuve la fortuna de ser su profesor de Técnicas de Ilustración. Desde entonces, Amelia ha desarrollado su carrera profesional en el ámbito de la ilustración y el cómic, desarrollando una exquisita sensibilidad hacia el color y un gran domino de la línea.

En la siguiente imagen podéis ver una de sus últimas investigaciones, realizada en el entorno del Inktober. En ella sustituyó el negro de los rotuladores de  anteriores ilustraciones por un color más cálido, y aplicó la línea con pincel. El resultado es esta ilustración de tonos granates, rosados y violaceos, inspirada en la película Ghost World.

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Y continuación podéis observar una de sus ilustraciones personales, de la cual realizó una tirada impresa.

Si queréis conocer más ilustraciones de Amelia Navarro, os invito a visitar su web oficial y su página de instagram.

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La ilustradora valenciana Ana Penyas, Premio Nacional de Cómic 2018

La ilustradora valenciana Ana Penyas ha sido galardonada este martes con el Premio Nacional del Cómic 2018 por la novela gráfica Estamos todas bien, editada por la editorial Salamandra. El premio, concedido por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, está dotado con 20.000 euros. El jurado seleccionó esta obra, por “rescatar, a partir de una historia familiar, la voz de una generación silenciada; por la innovación y la frescura de la puesta en escena gráfica, además de la habilidad para integrar recursos del cómic y de otros medios”.

Os recomiendo el documental de la serie Emergents À punt dedicado a Ana Penyas.

capital simbolico

Ilustración pertenciente a la serie Aqui e noutro lugar, realizadas durante su estancia en la residencia de Oporto DeLicieras. En esta serie, Penyas juega con los conceptos asociados al proceso de transformación de espacios urbanos, pero inspirados en las dinámicas propias de Oporto: ciudad marca, desplazamiento, capital simbólico, capital humano, etc.

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Una estructura oculta casi 400 años

Diego Velázquez de Silva pintó La Rendición de Breda (también conocido como Las Lanzas) hacia 1635. El cuadro tiene unas dimensiones de 307,3 x 371,5 cm, fue pintado al óleo sobre lienzo, y actualmente se encuentra expuesto en el Museo del Prado.

Esta obra maestra del Barroco representa la rendición de la ciudad de Breda a las tropas del rey Felipe IV. Pero lo que aquí nos ocupa es la estructura que utilizó el pintor para estructura la composición. Esta estructura está basada en la Proporción Áurea, y ha permanecido oculta durante casi 400 años.

La proporción Áurea (también conocida como Sección de Oro, Proporción Divina, etc.) equivale a 1,618. En consecuencia, este número es conocido como “Número de Oro”, “Número Divino”, e incluso a veces como “Número de Dios”. Seguramente es la proporción más conocida. Es muy utilizada en el ámbito del arte y el diseño. Se encuentra al mismo tiempo en la naturaleza y por lo tanto en el ser humano.

Existen numerosos estudios que analizan la presencia de la sección Áurea en la obra de Velázquez. Nos permitimos sugerir como uno de los más interesantes el de Antonio Sáseta sobre las Meninas: Las Meninas. Magia catóptrica. La reconstrucción tridimensional del cuadro. En el caso de la Rendiciónd de Breda, siempre llamó nuestra atención la extraña curva que forma el humo, que conecta con la curva que forma el cuello del caballo que aparece representado en primer término, así que nos propusimos investigar qué había detrás.

En primer lugar dividimos la longitud vertical por número de Oro (1,618), y comprobamos que coincide con las cabezas de los soldados.

En segundo lugar, la división de la longitud horizontal por la Proporción Áurea coincide con la primera lanza de los soldados españoles (en la zona de la derecha), mientras que la mitad de la división izquierda coincide con la primera lanza de los soldados holandeses.

Y en tercer lugar comprobamos que la pista del humo y el caballo nos estaba indicando que la línea estructural principal de la obra no es otra que la Espiral Áurea, que empieza en el papel en blanco que Velázquez acostumbraba a usar a modo de firma y finaliza en el brazo que entrega la llave. Es decir, la clave del cuadro. El acertijo estaba resuelto.

Si vais a Madrid, aprovechad la oportunidad de observar esta obra en directo. Y si deseáis saber más acerca de las estructuras utilizadas por los grandes maestros de la pintura, podéis hacerlo leyendo el libro de Charles Bouleau Tramas. La geometría secreta de los pintores.

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Jaime Hayón: Haga lo que haga estaré dibujando

Jaime Hayón (Madrid, 1974), vive en Valencia desde hace varios años. Con una formación donde se combinaron el graffiti y el diseño industrial, Hayón se mueve entre dos ámbitos: el arte y el diseño. Se trata de una combinación no siempre bien entendida (o considerada), tanto por el mundo artístico como por el del diseño. Pero en el caso de Hayón está dando unos resultados incontestables.

Jaime Hayón ha expuesto su obra en espacios como la Galería Aram de Londres, el Salone del Mobile de Milán, la Vivid Gallery, de Róterdam, o Feria de Arte Basel, y ha trabajado para Camper, Metalarte, Baccarat, Moooi, Lladró, entre otras marcas.

En la entrevista publicada en del número 32 de la revista Club +Renfe, cuya lectura recomendamos, Mario Suárez destaca el dibujo en la obra de Hayón como “el origen de todo”. De hecho, sus cuadernos de estudio fueron expuestos recientemente en el Madrid Design Festival. Y ha incluido varios de sus dibujos en una línea de ropa de la firma Jijibaba.

A la pregunta de Mario Suárez acerca de su futuro, Jaime Hayón responde: “Me quedan demasiadas cosas que hacer este año y no me da para pensar en qué haré dentro de unos años. Me preocupa más el ahora. Lo que siento es que haga lo que haga, estaré dibujando”.

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The London Mastaba

Artist Christo stands in front of his work The London Mastaba, on the Serpentine in Hyde Park, London, Britain, June 18, 2018. (REUTERS/Simon Dawson)

Si vais a viajar a Londres este verano, os recomendamos que vayáis a ver la última obra de uno de los artistas más representativos del land art: Christo. La  escultura se titula The London Mastaba, y está inspirada en las construciones mesopotámicas y egipcias.

Christo y su compañera, Jeanne-Claude, proyectaron por primera vez una mastaba flotante en 1967, para el lago Michigan en EEUU. Cincuenta años después, finalmente ha sido instalada en en el lago del londinense Serpentine Park.

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Los colores de la pieza conforman un esquema de contraste de temperatura: rojo, malva y azul. Y fueron elegidos por Christo en relación con la hierba verde y el cielo azul grisáceo de Londres.

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Al igual que otras obras de Christo, The London Mastaba es temporal. Flotará en el lago hasta el 23 de septiembre. La escultura será desmontada. Y todos los barriles serán reciclados.

Información extraída de WEAVER, Caty: “Artist Christo’s floating barrels on a lake. VOA.